Steven Soderbergh: “Soy la cucaracha de la industria”

Steven Soderbergh no es solo el director y director de fotografía de su más reciente película. De alguna manera, también es su personaje central.

“Presence”, que se estrena el jueves en las salas locales, está filmada enteramente desde el punto de vista de un fantasma dentro de una casa a la que acaba de mudarse una familia. Soderbergh, quien actúa como su propio director de fotografía bajo el seudónimo de Peter Andrews (el nombre de su padre), esencialmente interpreta la presencia, un punto de vista flotante que observa cómo la violencia que mató al misterioso fantasma amenaza con repetirse.

“Si tienes una conversación con un cineasta que dice que ha ‘descubierto las cosas’, deberías correr en la dirección opuesta”

Para el prolífico Soderbergh, la película fue un desafío único. Rodó “Presence” con una pequeña cámara digital mientras usaba pantuflas para suavizar sus pasos.

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El cineasta de 62 años charló con la AP en una entrevista reciente en Manhattan, en medio de la postproducción de su próxima película (“Black Bag”, un thriller que Focus Features lanzará el 14 de marzo), y el inicio de la producción en unas semanas de su próximo proyecto, una comedia romántica que dice “se siente como una película de George Cukor”.

Soderbergh, cuyas películas incluyen “Out of Sight” (“Un romance peligroso”), las películas de “Ocean’s 11″ (“La gran estafa”), “Magic Mike” y “Erin Brockovich”, tiende a hacer mucho en pequeñas ventanas de tiempo. “Presence” tomó 11 días para filmarse.

Esa destreza ha hecho de Soderbergh uno de los evaluadores más respetados de Hollywood en el negocio del cine.

Escena de “presencia”, que se estrena el jueves en los cines locales

-Usas seudónimos para ti mismo como director de fotografía y editor. ¿Te tentó acreditarte como actor para “Presence”?

-No, pero lo que hice es sutil. Por primera y única vez Peter Andrews tiene un crédito de operador de cámara. Eso no es un crédito que suelo tomar porque no lo necesito y típicamente tengo otro operador trabajando conmigo. Pero sentí que esto era un entrenamiento. Fue complicado, pero realmente divertido. Fue otro nivel de ansiedad de rendimiento porque arruiné más tomas que nadie en la película por un factor mayor. Yo era el que decía: “Corten. Lo arruiné. Tenemos que volver a empezar”.

-Hiciste esto rápidamente y de manera económica, y luego lo vendiste a un distribuidor. ¿Te resultó atractivo trabajar fuera del sistema?

-La belleza de los proyectos a esta escala es que puedo hacerlos sin tener que hablar con nadie. No es porque no quiera comentarios. Es porque es solo el grupo de confianza y nada del espacio psíquico está ocupado por cosas que no tienen nada que ver con lo que vas a filmar. Pasé de eso a un proyecto más tradicional en el que mucho del espacio psíquico se consume en el proceso de tener un estudio que financie tu película. Me gustan estas personas, solo que hay muchos abogados. Muchos abogados.

-Has llamado al streaming la fuerza más destructiva en la historia del cine. ¿Qué es lo que más te irrita de ello?

-Elimina un punto de referencia clave para un artista. Es útil saber cómo está funcionando algo, o cómo funcionó. Necesitas saber eso para calibrar si lograste lo que querías lograr, si puedes trabajar a cierto nivel. Eso es una de las cosas más confusas al respecto, la caja negra de ello. Aparte de la invisibilidad económica de lo que está pasando allí — el hecho de que realmente no podemos mirar bajo el capó de cómo funcionan económicamente estas compañías de streaming — hay otro tipo de barandilla que falta que encuentro realmente útil. Al final del día, al menos, quiero saber. El mercado te dirá cómo te está yendo. Quiero saber eso para poder ajustar o ir en otra dirección. Ser irrelevante no es muy atractivo. ¿Cuál es la superposición entre lo que la gente parece estar respondiendo y lo que a mí me gusta? Porque no quiero hacer estas cosas y que nadie las vea. He tenido suficientes personas que dicen: “Oh, ¿eso salió?” Es una forma de arte pública.

-¿Cómo sospechas que está cambiando la audiencia?

-La buena noticia es que, si hablas con Focus Features y Neon y A24, los jóvenes están yendo al cine. Esta es la generación de (la red social de cinéfilos) Letterboxd. Eso es fantástico. Espero que eso se extienda fuera de Estados Unidos. Son cinéfilos y esperan algo singular. Quieren la firma, quieren el sello de un cineasta. Y eso se está convirtiendo en un negocio real. Una de las cosas, creo, que todos necesitamos hacer, pero especialmente las personas que cubren la industria, es dejar de usar la métrica del estudio para lo que es un éxito. Esa no es una plantilla que debas aplicar a todo.

-¿Alguna vez lamentas que las películas que te hicieron querer ser cineasta como “All the President’s Men” y “Chinatown” ocuparan un lugar diferente en la cultura que las películas de hoy?

-Hubo un período de unos 10 a 14 años donde las mejores películas del año también eran las películas más populares del año. Eso no es necesariamente cierto hoy en día. Puedes elegir una de las películas que está en la competencia este año y decir: Esa es una película de los años 70. Es tan buena e interesante como una de esas. Pero no va a hacer el negocio que una de esas habría hecho. Es trabajo del artista adaptarse. Cuando se busca controlar lo que la gente quiere ver, estás en un lugar como: “Si realmente deseo con fuerza, no lloverá”. El clima es el clima. En cierto grado, la audiencia es un sistema meteorológico. Afortunadamente, debido a la forma en que comencé, soy la cucaracha de esta industria. Puedo sobrevivir a cualquier versión de ella.

-¿No es agotador reinventarte en cada película?

-No, se siente más como una evolución natural y una respuesta natural en el sentido de: “Quiero ser un cineasta diferente para esto”. No quiero conocer el resultado. Si tienes una conversación con un cineasta que dice que ha “descubierto las cosas”, deberías correr en la dirección opuesta. Es como: Estás delirando y tienes un entendimiento muy superficial de lo que esta forma de arte exige si no estás humillado por lo que te pide para ser distinto.

Steven Soderbergh